El arte de lo particular a lo general

El nexo que fijó el fotógrafo Aaron Siskind con el expresionismo abstracto fue un punto de inflexión en la evolución de algunos caminos más personales de la street photography. Y me parece que este tema merece una buena explicación en esta nota.

¿Cómo llegó Siskind a vislumbrar ese cambio con tanta decisión en una época (los años cincuenta del siglo pasado)  donde la regla de oro era el fotoperiodismo clásico?

Su mérito, desde mi punto de vista, es que intentó ir más allá de la captación de la imagen descriptiva hacia la abstracción pero sin alejarse del documentalismo. “Cuando hago una foto, quiero que sea un objeto totalmente nuevo, completo y autónomo” solía repetir este fotógrafo considerado el padre de la fotografía abstracta – expresionista.

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Pero hagamos un repaso de su historia. Siskind fue, desde 1932 a 1941, un fotógrafo documental que formó parte de la Photo League, una cooperativa (fundada por Paul Strand en 1931) de fotógrafos profesionales, amateurs y directores de cine de Nueva York que abogaban por producir trabajos sobre la vida de la clase trabajadora.    En ella, Siskind contribuyó con grandes trabajos como el del mundo del Harlem. (en 1981 se publicó el libro definitivo sobre este trabajo: Harlem Document, Photographs 1932 – 1940).  A pesar de mostrar los estragos de la depresión como lo hicieron varios de sus contemporáneos como Margaret Bourke – White o Berenice Abbot;  las fotografías del Harlem de Siskind tenían cierto afán por ocultar su tema, centrándose en la forma en detrimento del contenido y el contexto.  Este particular enfoque compositivo lo distanció en estética y temática poco a poco del fotoperiodismo clásico pero no se olvidó del género documental, ni mucho menos. Intentó a partir de sus imágenes ir de lo particular a lo general de una manera abstracta pero tangible de ciertas realidades urbanas.

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© Aaron Siskind

© Aaron Siskind

A principios de los cincuenta con la Photo League disuelta;  abrazó con gran entusiasmo el expresionismo abstracto, auténtica vanguardia pictórica del momento. Y de su estela, la influencia se decantó en otros fotógrafos contemporáneos a él como Harry Callahan, Marvin Newman, Saul Leiter o Ernst Hass.

Por eso, creo no equivocarme que Siskind fue uno de los padres de esta corriente más personalizada de la fotografía urbana que se materializó en ciertos fotógrafos,  casi desconocidos en esos momentos,  que pululaban con sus diminutas y discretas cámaras por las calles de Nueva York.

En esa época, La Gran Manzana era un auténtico hervidero de grupos informales de poetas, compositores, pintores que se inspiraban en el surrealismo, en el be bop de Charlie Parker y  en las vanguardias pictóricas como el ya citado expresionismo abstracto con Willem de Kooning, Jackson Pollock o Mark Rothko a la cabeza, y que conformaban parte de la mítica Escuela de Nueva York.

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1950 © Willem de Kooning

1950 © Willem de Kooning

1949 © Rothko

1949 © Rothko

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En sintonía con Siskind, Saúl Leiter también sintió una gran admiración por el expresionismo abstracto y en especial por la obra de Willem de Kooning o Rothko.  Esto ya se puede apreciar claramente en sus primeros trabajos. A menudo, sus fotografías se describen como verdaderas poesías visuales urbanas.

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© Saúl Leiter

© Saúl Leiter

 Las fotografías de Leiter parecen estar realizadas como en capas con composiciones casi abstractas de reflejos y sombras pero sin apartarse del vehículo visual que es el espacio urbano, verdadero nexo de su obra en blanco y negro y que gana en textura con el color. En otras palabras, Leiter, a través del color, jerarquizó mucho más el juego compositivo y la estética en general.

Asimismo el austríaco Ernst Hass llevó a su máxima expresión el expresionismo abstracto y sus imágenes cautivaban por lo extraordinario de las escenas cotidianas urbanas de las calles de Nueva York.

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Revista Life. 1953 © Ernst Haas.

Revista Life. 1953 © Ernst Haas.

 Pero a diferencia de Leiter, el fotógrafo austríaco gozaba de una gran reputación como miembro estable y único fotógrafo colorista en Magnum. Y publicaba ensayos visuales francamente innovadores y vanguardistas como “Imágenes de una ciudad mágica” en la revista Life en septiembre de 1953.

 Además,  Haas también fue el primer fotógrafo documental que expuso sus imágenes a color en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1962. 

Paralelo a toda esta efervescencia cultural neoyorquina, el otro polo de atracción era el Instituto de Diseño de Chicago (IIT Institute of Design en su denominación actual).

En la Escuela de Chicago (también conocida la New Bauhaus)  Siskind comenzó a dar clases de fotografía junto a su amigo Callahan y transmitieron a sus alumnos toda la vanguardia de Nueva York junto con el rico vocabulario fotográfico heredado de la Bauhaus alemana: la fotografía con sus propias leyes de composición e iluminación, el empleo de encuadres sorprendentes,  búsqueda del contraste en las formas y la luz, uso de planos en picado y contrapicado, tratamiento de capas, etc.

En este sentido, Ray Metzker y Yasuhiro Ishimoto fueron dos de los más “sobresalientes alumnos” de la Escuela de Chicago en esos tiempos. En el caso de Metzker  llevó a su punto máximo el axioma de “transformar lo real en algo surreal” a través de su tesis fotográfica para obtener el título académico: My Camera and I in the Loop” (1959),  un estudio sobre el distrito financiero de Chicago, captada con un personal juego de capas, contrastes y perspectivas inusuales dentro de la interacción humana de la gran urbe.

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© Ray Metzker

© Ray Metzker

Recordemos que Metzker fue una temprana y decisiva influencia del fotógrafo de Magnum, Alex Webb.

Con el tiempo,  Webb fue un poco más lejos que Metzker. ( De allí su especial mención en este post sobre esta brillante generación de fotógrafos de los ’50).

El fotógrafo californiano abordó el foto reportaje,  por ejemplo de zonas sensibles (México, Haiti, Amasonas),  como un street photographer.  Además de consolidar el uso del color en la fotografía documental; todo ello supuso un giro de 180 grados en la consolidación de esta práctica fotográfica.  “Yo no  fuí a ese país porque pensé que me iba a mostrar la pobreza o algo muy específico sobre la situación política. En el deambular, las cosas surgen. Y creo que eso es sólo un énfasis diferente” señala Webb.

Yasuhiro Ishimoto fue el otro alumno sobresaliente de la Escuela de Chicago y una clara influencia para muchos fotógrafos japoneses contemporáneos. Las fotografías de Ishimoto destacaban, al igual que Metzker, por su personal tratamiento compositivo, diferentes planos y un claro domino de espacios públicos reducidos. Un ejemplo de todo ello se puede observar en su libro: Chicago Chicago publicado en 1969.

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© Yasuhiro Ishimoto

© Yasuhiro Ishimoto

Larga es la estela que dejaron las escuelas de Chicago y de Nueva York entre sus contemporáneos.  En este sentido quiero destacar la labor de Fred Herzog quien realizó un  espléndido trabajo documental en los espacios públicos de Vancouver durante años. Y en los últimos años, en Vancouver le están realizando grandes retrospectivas y sus extraordinarias fotografías sirven de estimulo a los actuales fotógrafos de calle.

Toda esta sinergia también se trasladó al cine. Por ejemplo con Broadway by light realizada por William Klein en 1958 que es considerado el primer film pop de la historia del cine.

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Fotograma del film de William Klein

Fotograma del film de William Klein

Unas décadas después,  el trabajo fotográfico de Christopher Doyle  en varias películas de Wong Kar-Wai  (In the mood for Love, 2000) recupera la esencia del expresionismo abstracto y de la New Bauhaus. Doyle destaca por el tratamiento del color, las perspectivas y el modo surreal de recrear las atmósferas de los escenarios de los films principalmente los nocturnos.  Recordemos que Kar-Wai es considerado uno de los herederos del patrimonio de la nouvelle vague francesa.

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Foto 09_40_ Doyle_Kar-Wai

Fotogramas de In the mood for love (2000) Wong Kar-Wai

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